04 DIDÁCTICA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Todos los significados de todas las imágenes de todas las culturas (y de todas las épocas)

Marín, R. y otros (2003)

A. RESUMEN

ANTIGÜEDAD
1. Ideas: Utilidad y Belleza: El dibujo capacita para la observación de la belleza de los cuerpos.
2. Metodología: Probablemente, mediante copia de la realidad.
3. Escuelas: El dibujo está integrado en el conjunto de la enseñanza.
4. Autores: Aristóteles.

EDAD MEDIA
1. Ideas: Las artes plásticas no tuvieron una consideración social como creaciones artísticas propiamente dichas, sino como cualificados oficios manuales.
2. Metodología: Aprendizaje centrado en materiales y técnicas, imitando el buen hacer de los profesionales reconocidos.
3. Escuelas: No existen escuelas especializadas; se aprende en el propio taller donde se trabaja.
4. Autores: Cennini.

DEL RENACIMIENTO AL ROMANTICISMO
1. Ideas: Orientación claramente especializada y profesional, aunque se introducen estudios teóricos que posteriormente derivarían en la teoría del arte y la estética.
2. Metodología: Estudios encaminados a la formación de profesionales: Pintores, escultores y arquitectos. Enseñanza del dibujo como fundamento de todas las artes, mediante copias de láminas que iban creciendo en complejidad, hasta llegar al dibujo al natural. A la vez, se imparten conocimientos de perspectiva, anatomía, proporción y estudios teóricos.
3. Escuelas: Aparecen las primeras escuelas y academias de dibujo
4. Autores: Alberti, Leonardo, Durero y Vasari.

SIGLO XIX
1. Ideas: El contexto histórico está caracterizado por la industrialización, el nacionalismo, el neoclasicismo y el romanticismo en el arte, y los ideales políticos de la ilustración. La sociedad industrial, además del conocimiento de la lectoescritura, hace necesario el dibujo para la mayoría de los trabajos cualificados, como gran vehículo del desarrollo tecnológico y de la fabricación industrial.
El dibujo se desdobla en dos grandes vertientes: la artística, la veraz representación de la naturaleza en pos de la belleza; y la técnica, y la exacta y completa descripción de cualquier forma, objeto, mecanismo o construcción, de manera que pudiese ser fabricado o realizada con toda exactitud o detalle.
2. Metodología: La enseñanza estuvo marcada por las obras de algunos grandes pedagogos, así como por la elaboración de las primeras cuartillas y manuales de dibujo.
Pestalozzi: ABC de la intuición o intuición de las proporciones. 1803. La obra se desenvuelve a partir de tres láminas sobre las que trabajarán conjuntamente la palabra, el número y el dibujo.
Froebel: Regalos y Ocupaciones. 1835-1850. Proyecto curricular de los jardines de infancia organizados en torno al juego.
La segunda mitad del XIX conoció un desarrollo espectacular de métodos y manuales de dibujo, todos ellos basados en la copia de láminas.
3. Escuelas: Se incluye el dibujo entre las materias obligatorias del currículo de la escuela primaria y la secundaria. Ahora se trataba de ensañar el dibujo al conjunto de la población, más allá de artesanos y artistas.
4. Autores: Pestalozzi, Schmid, Froebel, Smith.

LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX.
1. Ideas: Algunos grupos de jóvenes artistas comenzaron a pensar que la cantera de ideales de la tradición eurorrenacentista estaba agotada, siendo necesario retornar a las raíces del arte, a sus orígenes. Las imágenes de otras culturas toman gran auge, pero, sobre todo, se descubre que en el seno de nuestra propia sociedad existe una producción pictórica pura, primigenia, no contaminada con las tradiciones culturales: el arte espontáneo infantil (en la nueva forma de comprender el dibujo infantil concurren dos procesos fundamentales: el desarrollo de la psicología evolutiva y, con ella, la mejor comprensión de la mente infantil, y las vanguardias artísticas).
2. Metodología: Dibujo y pintura libres: comienzos de lo que posteriormente se conocería como la autoexprensión creativa.
3. Escuelas: En 1904, clases de dibujo libre y espontáneo para niños y jóvenes se incorporan a la Escuela de artes y oficios de Viena, gracias al impulso del artista Cizec. Se generaliza la idea de que la actividad escolar no debía entorpecer sino, por el contrario, motivar y estimular los modos propios y característicos que tienen los niños de expresarse con el dibujo y la pintura libres.
4. Autores: Ricci, Cizek, Luquet, Freinet.

LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX.

A. Años 50. La Autoexpresión Artística
1. Ideas: Con Read y Lowenfeld la autoexpresión artística alcanza su esplendor. La mayor novedad fue considerar que lo decisivo de la educación artística no está en los contenidos de la enseñanza, sino en la persona que se está formando. Los alumnos deben ser considerados no tanto como aprendices de dibujo, sino como seres humanos que deben desarrollarse como personas, potenciando su sensibilidad, sus capacidades creativas, expresivas y comunicativas, la seguridad en sí mismos y su forma de ver el mundo.
2. Metodología: El dibujo libre y espontáneo se convirtió en el ejercicio y la actividad fundamental de la educación artística. No se trataba tanto de que el niño aprendiera a dibujar como de que dibujara tal y como él realmente era, para conseguir que cada uno llegara a ser capaz de dibujar conforme a su edad, a su grado de desarrollo, a su personalidad propia. A fin de preservar a cada persona en su propia sensibilidad, había que evitar modelos, copias de láminas, ejercicios homogeneizadores, iguales para todo el alumnado. Se proclama la propia capacidad creativa como objetivo central del aprendizaje y de la actividad escolar.
3. Escuelas: En 1954 se funda la INSEA (Internacional Society for Education through Art), como una de las conclusiones de un seminario convocado por la UNESCO sobre educación artística. En 1955, como conclusión de un estudio a nivel mundial sobre la situación de las enseñanzas artísticas, la Conferencia Internacional de Instrucción Pública aprueba las recomendaciones relativas a enseñanzas artísticas que básicamente corresponde a la obligatoriedad de la educación artística en el currículo de la escuela primaria y a la libre expresión como el método más adecuado de enseñanza.
4. Autores: Read y Lowenfeld

B. Últimas décadas. El lenguaje visual como modo de conocimiento y la revisión disciplinar de la autoexpresión creativa.
1. Ideas: Arnheim, psicólogo formado en la Gestalt, afirmó que ver es pensar, de donde se infiere que las obras audiovisuales son un modo de conocimiento. La creación de cualquier tipo de imagen no tiene que ver únicamente con la expresión de emociones y sentimientos, sino que constituye una forma de pensamiento.
Otras disciplinas, como la estética y la teoría del arte, afirmaron que las artes visuales constituyen un lenguaje, consideración que vino propiciada, entre otras causa, por el desarrollo de los nuevos grandes medios de comunicación visual, especialmente la televisión, y por el desarrollo de una nueva disciplina, la semiótica o ciencia de los signos, que cubría no sólo los fenómenos lingüísticos, sino también los visuales. Era evidente que a través de la televisión determinadas imágenes y códigos visuales eran capaces de ser comprendidos con una eficacia comunicativa y poder persuasivo que hasta entonces parecían sólo propios del lenguaje verbal.
En las últimas décadas se ha revisado la concepción artística como un proceso creativo espontáneo y natural para entenderlo como una elaborada construcción de conocimientos especializados que son distintivos de cada cultura.
Eisner ha sido una de las figuras centrales en la conceptualización actual de la educación artística. Propugna que el aprendizaje artístico está fuertemente influenciado por las condiciones del entorno en el que tiene lugar. La habilidad para comprender lo cualitativamente sutil, comprender el contexto en el que las obras de arte han sido producidas y comprender las interacciones entre ambos, la capacidad para utilizar habilidades altamente refinadas en la creación de formas visuales artísticas no son logros simples o fáciles(…) Sus logros (los de los niños) aunque reales, quedan bastante lejos de lo que es posible conseguir con una buena enseñanza.

2. Metodología: La profesora de artes visuales Dondis establece un paralelismo entre el lenguaje verbal y el lenguaje visual, buscando los elementos básicos que lo constituyen, así como las reglas sintácticas que regulan sus relaciones. Postuló que los diez elementos básicos del lenguaje visual eran los diez siguientes: punto, línea, contorno, dirección, tono, color, textura, proporción, dimensión y movimiento. Por tanto, el currículo académico debía girar en torno al conocimiento y manejo de estos elementos.
DBAE (Discipline Based Art Education) La estructura de los contenidos deriva de cuatro disciplinas: estética, crítica del arte, historia del arte y creación artística. Se fomenta la creatividad a través del conocimiento en profundidad de las mejores obras de arte.
3. Escuelas. DBAE: Proyecto educativo y curricular para la enseñanza artística, que desde 1982 hasta finales del siglo XX promovió el Getty Center. Su objetivo fundamental es desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte, mediante el conocimiento de las teorías y conceptos artísticos y tener una experiencia creadora.
4. Autores: D´Amico, Read, Lowenfeld, Feldman, Eisner, Gardner.

B. GRADO DE AFINIDAD, PROS Y CONTRAS DE LAS DIVERSAS ETAPAS

Hasta el siglo XIX, la educación artística tiene unas características similares (salvo en la Antigüedad): su objetivo es la formación de profesionales, y su metodología, la imitación de la realidad y los grandes maestros. Desde mi punto de vista, esta forma de enseñar arte no es educación artística, en tanto que no contempla las artes visuales como un apartado fundamental en la formación de las personas para una mejor comprensión del mundo. Excluyo la Antigüedad, ya que, aunque tendría que ahondar más en ello, y no es el objeto del trabajo (ni tengo los conocimientos necesarios), creo que en aquellas escuelas sí se perseguía una educación más integral del alumno, en la que las artes plásticas ocuparían su lugar.

En el siglo XIX, con la extensión de la formación escolar, la educación artística llega a primaria y secundaria, trascendiendo de la limitación de su enseñanza a los profesionales y artesanos, si bien su metodología sigue siendo la misma: la imitación.

En la primera mitad del siglo XX, con la búsqueda de nuevas perspectivas artísticas y el desarrollo de la psicología evolutiva, se introduce con claridad por primera vez el objetivo en la enseñanza artística del desarrollo personal de alumno, aunque sea sólo en términos de creatividad.

Con la autoexpresión artística a partir de mediados de siglo ya se aborda definitivamente lo que para mí es la cuestión fundamental de la educación artística: Los alumnos deben ser considerados no tanto como aprendices de dibujo, sino como seres humanos que deben desarrollarse como personas, potenciando su sensibilidad, sus capacidades creativas, expresivas y comunicativas, la seguridad en sí mismos y su forma de ver el mundo. Creo que esta declaración de intenciones tiene plena vigencia, y debe ser el fin de toda educación artística (y no artística). Sin embargo, parece evidente, como luego expuso Eisner, que la metodología de la autoexpresión está limitada; no se puede abandonar al niño a que aprenda por sí mismo la comprensión del mundo visual, sencillamente porque es demasiado complejo.

Asimismo, no podemos hoy obviar la influencia de los medios de comunicación y de las NNTT en la vida cotidiana. Los planteamientos de la manifestación artística como un lenguaje visual, y éste a su vez como un modo de conocimiento, están igualmente vigentes. Sin embargo, recordemos las palabras de Geertz de su artículo El arte como sistema cultural: “Para lograr que la semiótica tenga un uso eficaz en el estudio del arte, debe renunciar a una concepción de los signos como medios de comunicación, como un código que ha de ser descifrado, para proponer una concepción de éstos como modos de pensamiento, como un idioma que ha de ser interpretado”.

En cuanto a la iniciativa de la DBAE, es difícil entender por qué no prosperó. Creo que las cuatro disciplinas propuestas para la enseñanza de la educación artística son positivas. Conocer la teoría del arte, saber utilizarlas para la crítica, tener conocimientos históricos y afrontar una creación… ¿qué falta? En el texto se apuntan dos posibles cuestiones: centrarse en las obras de arte desantendiendo otros tipos de imágenes y contextos visuales más cotidianos y próximos al alumno, y la inercia institucional para incorporar rápidamente temas emergentes más novedosos…Me parece fácilmente corregible, sobre todo con nuestra perspectiva actual. El profesor Arañó afirmaba cuando nos habló de este asunto que el problema está en el propio profesorado, incapaz de estar a la altura de las exigencias disciplinarias. Por desgracia, estoy de acuerdo con él.

C. ARGUMENTOS PARA DEFINIR LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA DE CARA AL PRESENTE

Como objetivo principal de la educación artística, el que ya he remarcado en el comentario al texto: la formación integral del alumno como ciudadano, dotándolo de una visión crítica de las artes visuales. Y ahora sí extiendo el concepto de artes visuales a toda manifestación humana en la que intervenga la percepción visual: el diseño, la artesanía, la publicidad, la moda,… y el arte, claro.
Una persona debe comprender el mundo que le rodea, debe tener cultura visual, con el significado que le otorga el texto que hemos analizado, con esa visión posmoderna que nos caracteriza, queramos o no: hemos de poner las bases para que el alumno construya su particular pequeño relato, pero que éste le otorgue autonomía y capacidad de crítica.
¿Cómo lo hacemos?